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Revista Cátedra de Artes Nº14

¿Qué puede encontrar el lector o la lectora en esta, nuestra versión número 14 de Cátedra de Artes? ¿Qué nombres, qué temas, qué objetos de conocimiento y de investigación? ¿Qué pistas de reflexión que permitan, no solo reconocer ciertas tematizaciones puntuales, sino también métodos susceptibles de ser replicados por otras investigaciones?

 

 

 

Presentacion revista catedra Presentación Presentation


 

Artículos en esta edición:

El orden del discurso patrimonial: la normalización
de las prácticas de conservación en la protección de
monumentos, bienes y paisajes culturales

The order of the patrimonial discourse: normalization of
the conservation practices in the protection of cultural
monuments’, properties’ and landscapes


Por Maximiliano Soto

Resumen: Este artículo introduce al lector en la normalización del patrimonio cultural, dando cuenta de la estructuración de un orden del discurso patrimonial. Un proceso que responde a una universalización de las autenticidades de un bien cultural, que se origina en documentos oficiales de la experticia internacional representada por tres actores: Unesco, Icomos y el Consejo de Europa. La restauración-rehabilitación de bienes culturales es el resultado de una imposición que produce paradojas cuando las prácticas de conservación se concentran en la materialidad del bien, desplazando lo inmaterial y simbólico. Dos formas patrimoniales que conviven y se oponen en las políticas patrimoniales de Francia y Chile, dejando en evidencia contradicciones en la protección del patrimonio cultural.

Palabras Claves: Patrimonio cultural, discurso patrimonial, prácticas de conservación,
materialidad, inmaterialidad.

Abstract: This paper introduces the reader to the normalization of cultural heritageby illustrating the structuring of the order of the patrimonial discourse. Aprocess which addresses the universalization of the authenticities of a cultural property, originating in the official documents of international expertise represented by Unesco, Icomos and the European Council. The restoration/rehabilitation of cultural properties is a result of an imposition that produces paradoxes, when conservation practices focus on the materiality of the properties and ignore the immaterial and the symbolic. Two patrimonial forms that coexist and oppose each other within the patrimonial policies of France and Chile, leaving in evidence contradictions in the protection of cultural heritage .

Keywords: Cultural heritage, patrimonial discourse, conservation practices, materiality,
immateriality.


Entre ausencias y presencias: Reflexiones en torno
a las fotografías del Muro de la Memoria en el
Puente Bulnes

Between presence and absence. Reflections on the
photographs at Bulnes Bridge Memorial Wall

Por Silvia Stoehr

Resumen: La presencia de la ausencia que posibilita el medio fotográfico es el eje de esta reflexión, motivada por el Muro de la Memoria del Puente Bulnes se abordarán algunos usos sociales de las imágenes de los desaparecidos a partir de la obra del artista visual Claudio Pérez, quien ve en este dispositivo un vehículo de memoria, un intento por no olvidar a aquellos
que ya no están. A partir de la problematización teórica de la tensión dialéctica fotográfica propuesta por François Soulages, en que la imagen está entre opuestos y es a la vez presente y pasado, privacidad y publicidad, presencia y ausencia; se explorarán los sentidos y las significaciones que detonan estos rostros en Santiago de Chile. Si la escritura era lo que en el pasado daba identidad al difunto y el epitafio constituía la llamada o interpelación de los muertos hacia los vivos, hoy son las fotografías las que visibilizan un clamor de verdad y justicia; estas huellas de luz son la inscripción que usamos ante los desaparecidos como una suerte de epitafio sustituto.

Palabras Claves: Fotografía, memoria, desaparecidos, posdictadura chilena.

Abstract: This article reflects on the presence of the absence in photographs of the disappeared. Using the Memorial Wall on Bulnes Bridge in Santiago, Chile, the author will explore some social uses of images of the disappeared. From these, we will explore the sense and signification around those photographs on the Wall. It is possible using Francois Soulages’ proposal, where the photographic image is always between opposites and it is at the same time present and past; private and public; presence and absence. Before, writing gave identity when people died; now, photography makes visible a cry for truth and justice. The image is here, the inscription we use for the disappeared as a substitute epitaph.

Keywords: Photograph, memory, disappeared, Chilean post-dictatorship.


Usca Paucar y El pobre más rico: la idea de
espectáculo en dos obras coloniales quechuas

Usca Paucar and El pobre más rico: the idea of spectacle
in two Quechua colonial plays

Por Silvana Mantelli

Resumen: El presente trabajo propone un acercamiento hacia las similitudes y diferencias existentes entre el teatro español del Siglo de Oro y el teatro colonial peruano. Para ello se analizan dos obras del teatro áureo: El condenado por desconfiado y El mágico prodigioso; y dos quechuas: Usca Paucar y El pobre más rico; a través de las cuales se examinan los conceptos de decorado verbal y los diferentes tipos de acotaciones que en ellas aparecen. A partir de este análisis se establecen propuestas sobre la idea de espectáculo y teatralidad que aquellas obras entregan, así como la importancia de verificar las particularidades que presenta el teatro colonial quechua.

Palabras Claves: Teatro Siglo de Oro, teatro colonial quechua, idea de
espectáculo, teatralidad.

Abstract: This paper proposes an approach to the similarities and differences between the Spanish Golden Age theater and the Colonial Peruvian theater. For this purpose, two Golden Age plays,El condenado por desconfiado and El mágico prodigioso; and two Quechuaplays, Usca Paucar and El pobre más rico, through which the concepts of verbal scenery and the different types of stage direction,that appeared in them, are analyzed. From this study, we establish proposals on the idea of spectacle and theatricality that those plays offer, as well as the importance of reviewing the peculiarities of the Colonial Quechua theater.

Keywords: Golden Age theater, colonial Quechua theater, idea of spectacle,
theatricality.


Guerra cultural en América Latina: debates
estéticos y políticos

Culture war in Latin America: aesthetic and political debates

Por Ana María Torres

Resumen: Durante la Guerra Fría las exposiciones oficiales se convirtieron en espacios políticos y simbólicos que funcionaron como instrumentos del poder imperialista. En la mayoría de los países latinoamericanos se organizaron eventos artísticos que contaron con el apoyo de la Organización de Estados Americanos (OEA 1948) y de corporaciones multinacionales; en realidad estas exposiciones formaron parte en forma encubierta de una “guerra cultural” planeada por Estados Unidos que consistió en diseñar políticas culturales injerencistas que buscaban establecer estrategias para eliminar las representaciones políticas y promover los signos abstractos, entre otros elementos, como lenguajes neutrales y expresiones emocionales y poéticas. Junto con la identificación de células comunistas, esta estrategia detonó el cambio de paradigma en el diseño de las políticas culturales latinoamericanas ya que formó parte de la aceptación oficial del arte abstracto. En este artículo, me propongo analizar este proceso a través de las dos Bienales Interamericanas de Pintura y Grabado (1958-1960) y del Salón Esso (1965) organizadas por el gobierno mexicano, abordándolas como espacios del poder político y simbólico. Para ello, tomaré en cuenta las relaciones que se establecieron entre las políticas culturales estadounidenses y latinoamericanas, así como las polémicas estético-políticas y los desplazamientos estilísticos e ideológicos que aparecieron en el ámbito internacional durante la Guerra Fría.

Palabras Claves: Espionaje, políticas culturales, guerra cultural.

Abstract: During the Cold War the official exhibitions became political and symbolic spaces that functioned as instruments of imperialist power. In most Latin American countries, artistic events that had the support of the Organization of American States (OAS 1948) and multinational corporations were organized In actuality, these exhibitions were part surreptitiously of a “culture war” planned by United States in order to design cultural policies seeking interventionist strategies to eliminate political representations and promote abstract signs, among other factors, such as emotional and neutral language and poetic expressions. Along with the identification of communist cells, this strategy triggered a paradigm shift in the design of Latin American cultural policies since it became part of the official acceptance of abstract art. In this article, I propose to analyze this process through two Inter-American Biennials of Painting and Engraving (1958-1960) and the Esso Hall (1965) organized by the Mexican government, approachings these international exhibitions as spaces of political and symbolic power. In order To do this, I will take into account the relations established between U.S. and Latin American cultural policies as well as the aesthetic and political controversies and the stylistic and ideological movements that appeared in the international arena during the Cold War.

Keywords: Espionage, cultural policies, cultural war.


A queda dos anjos: o deslocamento do artista e a
natureza política da arte contemporânea

La caída de los ángeles: el desplazamiento del artista
y la naturaleza política del arte contemporáneo

The Fall of the Angels: The Displacement of the Artist
and the Political Nature of Contemporary Art

Por Luiz Sérgio de Oliveira

Resumo: A arte tem empreendido uma vigorosa marcha de internalização das coisas do cotidiano, tendo se tornado undana com as transformações em sua natureza perseguidas pelas vanguardas. De diversos modos, a condição singular da arte, seu estatuto e seu caráter de excepcionalidade tem estado em contínuo processo de questionamento pelas vanguardas. Recentemente, artistas comprometidos com práticas colaborativas parecem alcançar o fim da peleja entre a autonomia da arte e sua negação: a arte que é produzida através de interações com as comunidades são, por sua própria natureza, a antítese da ideia de autonomia, pois acima de tudo se compromete com a negociação, com o diálogo, a colaboração e a participação no processo de produção da arte na esfera da cultura.

Palavras-Chave: arte, práticas colaborativas, geovanguardas, mundo mundano.

Resumen: El arte ha emprendido un vigoroso proceso de interiorización de lo cotidiano y se ha vuelto mundano debido a las transformaciones que ha experimentado por influencia de las vanguardias. De muchas formas, la condición particular del arte —su estatus y su carácter de excepcionalidad— ha sido constantemente cuestionada por dichas vanguardias. Recientemente los artistas comprometidos con prácticas de colaboración parecen haber puesto fin a la dicotomía entre la autonomía del arte y su negación: el arte producido mediante interacciones con las comunidades es, por su propia naturaleza, la antítesis de la autonomía, pues se compromete ante todo con la negociación, el diálogo, la colaboración y la participación en el proceso de producción artística en el marco de la cultura.

Palabras Claves: arte, prácticas de colaboración, geovanguardias, mundo mundano.

Abstract: Art has undertaken a vigorous process of internalization of everyday things, thus becoming mundane due to the transformations it has experienced by influence of the avant-garde. In many ways, the singular condition of art, its status and its character of exceptionality has been continuously questioned by said avant-garde. Recently, artists engaged in collaborative practices seem to have put an end to the dichotomy between the autonomy of art and its denial: art produced through the interaction between communities is, by its very nature, the antithesis of autonomy, since above all it commits to negotiation, dialogue, collaboration and participation in the production of artistic production within the sphere of culture.

Keywords: art, collaborative practices, geo-avant-garde, mundane world.

 


Manet o la ironía del suicidio

Manet or the irony of suicide

Por Cristina Pósleman

Resumen: Este artículo propone el análisis crítico de Le Suicidé, de Édouard Manet, para pensar el estatuto de la pictoricidad en la época del pixel y de la intermedialidad. Para ello se pone a prueba lo que, a la luz de la “lógica de la sensación” de Gilles Deleuze, se nombra como “estética de la catástrofe”. Se abordan dos momentos, siguiendo la operativa de dicha lógica sensacional. En el primero se repara en algunos signos que evidencian la puesta a prueba de la estética representacional en la pintura de Manet. En este sentido se advierte la inconsistencia del matiz y del espacio tridimensional. En un segundo momento, y gracias al zoom analítico efectuado al retrato dentro de la pintura, se revela entre el adentro y el afuera del cuadro, una línea de dirección variable –que no traza ningún contorno ni delimita ninguna forma–, que traspasa el marco y su límite orgánico, el ojo. Esto provoca que la pintura se exponga a ella misma y alcance su afuera. A través de este análisis se pretende evidenciar no solo la persistencia de la pictoricidad –frente al pronóstico hegeliano-, sino la proyección postpictórica del desmantelamiento de la lógica representacional.

Palabras Claves: Manet, estética, catástrofe, postpictoricidad.

Abstrac: This article proposes a critical analysis of Edouard Manet’s Le Suicide, in order to ponder the status of pictoriality in the age of the pixel and intermediality. In order to do this, it puts to the test what, in light of Gilles Deleuze’s “logic of sensation”, is referred to as “the aesthetics of catastrophe”. Two points are addressed following the operational of such sensational logic. In the first, some signs are noticed that test the representational aesthetic in Manet’s painting. In this sense the inconsistency of the nuance and of the three-dimensional space is perceived. In the second, and thanks to the analytical zoom performed on the portrait within the painting, a variable direction line –which does not draw any contour or shape- is revealed between the inside and the outside of the painting that goes beyond the frame and its organic limit, the eye, causing the painting to show itself and reach its outside. This analysis tries to demonstrate not only the persistence of pictoriality –against Hegelian prognosis-, but also the postpictorial projection of the dismantlement of the representational logic.

Keywords: Manet, aesthetics, catastrophe, postpictoricity.


Reseñas:

Díaz Chavarría, Carlos. La otra mitad de mi diferencia.
Argentina: Editorial Rove, 2013.
Por Gonzalo Maire


 

11ª Bienal de Artes Mediales: Autonomía
Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago de Chile, 2013
Por Michelle Piaggio